METHODE PEDAGOGIQUE
La méthode d'enseignement consiste par une série d'exercices appropriés à savoir activer l'hémisphère droit du cerveau pour dessiner. Cette partie du cerveau est spécialisée dans l'évaluation de l'espace, des vides et la lecture des angles. Nous l'utilisons tous quotidiennement pour conduire un véhicule, jouer à des jeux d'adresse comme la pétanque ou le tennis. La plupart des gens ne l'utilise pas pour dessiner car l'action de dessiner est associée à l'écriture. Hors l'écriture, ainsi que la parole, est le domaine de l'hémisphère gauche. L'inconvénient est que l'hémisphère gauche voit ce qu'il croit et ne croit pas ce qu'il voit. Il est donc incapable de nous permettre de dessiner ce que nous voyons. Avec la méthode "cerveau droit", en huit séances de deux heures espacées d'une semaine pour permettre aux participants de pratiquer les exercices proposés, ce dernier sera capable de représenter ce qu'il voit de façon parfaitement fidèle, que ce soit un objet, un paysage ou un visage.

DEROULEMENT D'UNE SESSION
Une session comprends huit séances de deux heures espacées d'une semaine. A chaque séance, le participant sera guidé pour exécuter les exercices qu'il devra refaire chez lui au cours de la semaine.

DEROULEMENT D'UNE SEANCE
- Regard sur les exercices de la semaine.
- Découverte d'un nouvel exercice.
- Exécution guidée de l'exercice.
- Remise de la fiche pédagogique de l'exercice.

PERIODICITE
Tous les vendredis sauf vacances scolaires de 14h00 à 16h00

DATES DES SESSIONS 2009 - 2010
N°1 : 18 et 25 sept. / 2, 9, 16 et 23 oct. / 6, 13 nov.
N°2 : 20, 27 nov. / 4, 11, 18 déc. / 8, 15 et 22 jan.
N°3 : 29 jan. / 5 et 12 fév. / 5, 12, 19 et 26 mar. / 9 avr.
N°4 : 30 avr. / 7, 21 et 28 mai. / 4, 11, 18 et 25 juin.

COÛT D'UNE SESSION
64€

Mon postulat est que la « bonne » peinture est « bonne » dans le sens qu’elle fait du bien à celui qui la fait et à celui qui la regarde. La couleur est une vibration énergétique. Une bonne harmonie colorée apporte une énergie apaisante ou stimulante. Chaque individu porte en lui sa propre harmonie   « sa palette ». De cette palette il  donne de multiples variations suivant les émotions qui le traversent et le dialogue qu’il entretient avec la toile. C’est dans ce dialogue, cette écoute active de la toile, qu’il va instinctivement appliquer les lois de la création d’un tableau, l’équilibre des masses, les contrastes, la composition…
A partir de ce postulat, ma méthode s’appuie sur 5  points fondamentaux :

1 - LE CADRE ; ce sont les règles de vie de l’atelier, les engagements réciproques, le programme. Plus le cadre sera solide, plus la liberté du participant sera grande à l’intérieur de ce cadre.

2 - LE GROUPE ; c’est dans les exercices d’échanges, de peinture collective, que le participant développe sa capacité à toucher ses émotions et à les utiliser.

3 - LA PRATIQUE : ce sont tous les exercices individuels de peinture en atelier et le travail personnel.

4 - LA THEORIE ; c’est la partie qui aborde les domaines de la couleur, mais aussi de la connaissance de soi qui lui permettra de découvrir sa palette personnelle et d’être plus à l’écoute de lui-même et donc, de la toile qu’il réalise.

5 - LA TECHNIQUE ; c’est la connaissance et l’utilisation des matériaux, les gestes efficaces, la position corporelle, les étapes d’élaboration d’un tableau.



PERIODICITE :
Tous les jeudis de septembre à juin hors vacances scolaires.


HORAIRES :
14h30-17h30

DEROULEMENT :
- Regards sur les travaux personnels,
- Exposé théorique et exercice de découverte du thème proposé.
- Exercice d’application.
- Regard sur les travaux, retour parole sur le vécu personnel de l’exercice.

LES THEMES : Les lois de la couleur, les techniques de peinture.

SUJET :
Le non figuratif, la nature morte, le paysage.

MATERIAUX :
L'huile, l'aquarelle, le crayon, le lavis à l'encre de chine.

DATES :
Voire le programme.

COUT:
380€

INSCRIPTIONS :
Galerie du Mas de Coulondres
RN113, 41 route de Béziers
34430 SAINT JEAN DE VEDAS
Tél : 04 67 27 25

METHODE PEDAGOGIQUE

Nous avons tous une fascination pour le corps humain qui date de la petite enfance. Le corps caché, le corps tabou, le corps interdit sous peine de péché. Nous avons toujours su intuitivement que ce que l'on nous interdisait de voir était la manifestation la plus pure, la plus absolue, la plus innocente de la vie. Adulte, nous bravons enfin les interdits et l'on s'inscrit à un atelier de nu. Dès lors, tous les interdits parentaux et sociaux nous assaillent brutalement et nous paralysent. C'est pourquoi toute la méthode consiste à dessiner ce que je vois sans l'identifier. En clair, ce n'est pas un sein ou une fesse que je dessine mais un volume, une courbe, un vide... Progressivement, la main s'habitue à obéir à l'oeil sans identifier ce qu'il voit. Je rentre dans le ressenti et l'émotion sans culpabilité et je m'autorise enfin à exprimer ma sensibilité d'artiste.

LES ATELIERS

PERIODICITE : Tous les vendredis de septembre à juin hors vacances scolaires.

HORAIRES : 16h30-18h30

DEROULEMENT :
- Exposition du thème de la séance et proposition d'une technique
d'expression par une démonstration.
- Exercice d’application.
- Expression libre.
- Regard sur les travaux, retour parole sur le vécu personnel de
l'exercice.

LES THEMES : Les proportions, les volumes, les grandes directions, le mouvement, les vides et les pleins...

MATERIAUX : Crayon, carré d'art, encre, aquarelle.

COUT: 380 € à l'année.

Extraits de la conférence-débat
"LE PROCESSUS CREATIF"
animée par Joël Monnier le 20 juin 1996 à l'Art Quotidien.

Question : Pensez vous qu'il y ai de la bonne et de la mauvaise peinture ?
Oui, j'affirme qu'il y a de la bonne peinture et de la mauvaise peinture.  Ceci sur deux plans : Le plan émotionnel et le plan technique.
 
Question : Que voulez vous dire en parlant du plan émotionnel ?
Pour que la peinture parle à mon goût, le vrai, il faut qu'elle provoque une émotion et non pas qu'elle flatte mon mental formaté par ma culture. Pour goûter véritablement une oeuvre d'art, il faut que l'émotion soit plus forte que l'analyse ou l'admiration de la technique.

Question : Si on vous écoute, tous le monde devrait apprécier et rejeter les mêmes choses ?
Tout à fait. Tous le monde devrait reconnaître ce qui est honnête et vrai, c'est à dire qui ne triche pas avec les émotions et qui n'utilise pas la technique pour éblouir le client. Après, chacun va être attiré plus ou moins par un artiste en fonction de sa propre sensibilité à sa forme d'expression, à ses couleurs etc. Ce n'est pas parce que je préfère Beethoven à Mozart et que j'écoute plus volontiers le premier que je ne peut pas apprécier le second.

Question : Pouvez-vous préciser ce que vous entendez par "utiliser la technique pour éblouir le client" ?
J'affirme pour l'avoir constaté dans mes cours avec des peintres débutants, qu'un artiste qui est à l'écoute de ses émotions et qui est donc à l'écoute de la toile, va appliquer sans même les connaître toutes les lois qui régissent un tableau. Par contre, un peintre, aussi habile et connaisseur soit-il qui utilise ces lois "pour être sur de réussir", va faire une oeuvre qui peut être flatteuse et esthétique mais sans vie. D'ailleurs, beaucoup de ces peintres utilisent inconsciemment un langage explicite : Ils "exécutent" une oeuvre ou "achèvent" un tableau.

Question : Faites-vous une différence entre l'abstrait et le figuratif ?
Pour moi, il n'y a pas de différence fondamentale entre le figuratif et le non-figuratif. Tous deux sont soumis aux mêmes lois techniques de la composition, de l'équilibre des formes, de l'harmonie des couleurs etc. Si je peint une pomme, je peux ne chercher qu'à représenter la pomme le plus fidèlement possible en essayant d'imiter la photo. Je peux aussi, tout en la représentant fidèlement ou en la déformant, exprimer sa vérité de pomme tel que je la ressent ; sa joie d'exister, sa peur d'être mangée, sa tristesse d'être seule ou sa colère de ne pas être appréciée et respectée en tant que pomme. Jacques Prévert a écrit un splendide poème qui résume tout sur ce sujet. Mais c'est la même démarche si je ne fait aucune forme identifiable, je serais dans la vérité de la toile, dans l'écoute de la forme et de la couleur.

Question : Vous parlez de figuratif et de non-figuratif. Pourquoi n'utilisez vous pas le mot abstrait ?
Ce qui est abstrait à l'origine du mot, c'est ce qui est "extrait" par la pensée. C'est bien une démarche mentale qui me fait dire en regardant un tableau " c'est une pomme". Ce n'est que vers 1930 que l'usage du mot a évolué pour désigner "l'art abstrait". En outre, trait, portrait, ont la même origine que abstrait. Le non figuratif ne pouvant susciter qu'une émotion et une émotion  étant toujours concrète, il serait plus juste d'utiliser le mot abstrait pour l'art figuratif et son opposé "concret", pour le non figuratif. Mais comme l'usage prête à confusion, je me contente d'utiliser les termes de figuratif et non figuratif.

Question : Vous dites que l'art abstrait, pardon, non figuratif, est soumis aux mêmes lois que l'art figuratif. Pouvez vous nous dire quelles sont ces lois ?
J'en vois cinq principales : La composition, l'équilibre des formes, le jeu des contrastes, l'harmonie des couleurs et la liberté de la touche. On retrouve la maîtrise de ces cinq éléments dans toute la peinture à travers les âges jusqu'à nos jours.

Question : Vous ne parlez pas du dessin. N'est-il pas nécessaire de savoir dessiner avant tout pour être un bon peintre ?
Toute la question est de savoir ce que l'on entends par "savoir dessiner". Si cela se résume à reproduire ce que je vois le plus fidèlement possible, cela reviendrait à dire que je suis un écrivain parce que je sais recopier un texte. De plus, tout le monde est en mesure de reproduire fidèlement ce qu'il voit. C'est simplement une question d'utilisation des hémisphères du cerveaux. Ce n'est pas ce que j'appelle savoir dessiner. Un bon dessin exprime ce que je ressent de ce que je vois et il peut donc déformer plus ou moins ce qu'il représente. Pour atteindre cette qualité, il n'est pas indispensable de passer par l'apprentissage de la reproduction fidèle. Cet enseignement "classique", long et douloureux, est d'autant plus inutile, qu'il fait appel au cerveau gauche qui est totalement incompétent en la matière. Pour apprendre à dessiner au sens académique, il suffit, par des exercices appropriés, d'utiliser le cerveaux droit.

Question : Que pensez-vous de l'art contemporains ?
J'ai envie de vous répondre par une boutade ; c'est de l'art content pour rien. Mais après, je ne voudrait pas jeter le bébé avec l'eau du bain. Le sujet est vaste. Il faudrait des heures et distinguer les différents courants ; les installations, les performances, l'art répétitif... En gros, je pense qu'il y règne une grande confusion et une perte de repère. Au milieu de tout cela, nous rencontrons parfois des oeuvres réellement émouvantes, drôles et sincères. Quand un artiste dénonce l'impasse de la société Franquiste en fabricant une roue en bois dans la plus grande tradition artisanale et qu'elle est tellement bien faite, avec tellement de soin, qu'il faut un petit moment pour réaliser que cette roue est carrée, je ne suis pas sur d'être vraiment touché, mais je suis ému par l'histoire que cette oeuvre raconte et respectueux de la démarche de l'artiste et du travail réalisé. Quand Duchamp présente une roue de bicyclette sur un tabouret en bois, je constate que le rapport   de proportion du tabouret et de la roue ne fonctionne pas et que les deux objets n'ont subit aucune intervention de l'artiste. Non seulement ça ne me touche pas, mais je n'est pas envie de regarder ça. Ça ne m'intéresse pas et je n'ai pas envie d'en savoir plus.

Question : L'histoire de l'art ne vous intéresse donc pas ?
Je fait une distinction entre l'érudition et la "co-naissance" qui pour moi signifie "naître avec". Dans la Genèse, connaître une femme, c'est l'aimer. Je vais d'abord aimer une oeuvre, être touché par elle. Ensuite, je vais chercher à mieux la connaître, pénétrer dans l'intimité de la démarche de l'artiste pour être plus proche. Cela n'a rien a voir avec l'érudition que j'assimile au voyeurisme car elle est sans émerveillement.